位于华熙LIVE·五棵松的北京时代美术馆
背靠日均客流超过15万的华熙LIVE·五棵松，时代美术馆近年来已经成为北京西部城区最热门的假日休闲踏访之地和科技、潮流、艺术、时尚的汇聚之所。从早期雄踞东部CBD核心商圈的“空中美术馆”，以经典艺术与写实性绘画彰显学术高度，到融入大众生活，推进艺术跨界探索——近年来接连不断的跨界展、IP展、大师展、潮流展，在外界看来，似乎都在重新诠释着时代美术馆的机构定位与内容基因。
美术馆先天便具有社会与公共服务的双重属性，但在现实情况下，艺术的专业性与学术性往往被默认置于更优先的位置。近年来，越来越多的美术馆开始从艺术品的静态展示迈向更动态、更开放、更具跨界野心的“文化发生场”的转型尝试，这已成为一股普遍而显著的趋势。在这条转型之路上，时代美术馆不仅起步更早，也走得更为彻底。
这一转变的背后，当然有场馆迁址的直接推动——从写字楼里的传统展厅延伸至每日十余万客流穿行的商业文化综合体；更重要的，是让跨界探索有了扎根日常的现实土壤。一座曾经以经典、专业为底色的美术馆，正在主动蜕变成一个集展览、消费、社交与公益于一体的复合型文化体验空间，一处可供都市人心灵停靠、情绪疗愈的美学驿站，并摸索“艺术疗愈”作为一种新型公共文化服务的可能。
这条转型之路究竟是如何发生的？为此我们专访了时代美术馆执行馆长刘威威。
时代美术馆执行馆长刘威威
艺术中国：与十几年前时代美术馆更偏重在专业艺术语境下对经典艺术和写实性绘画的展示，到今天爱搞跨界、紧随潮流、拥抱大众的路线和气质截然不同，这种转变是怎么发生的？美术馆的迁址是否是一个关键因素？
刘威威：2016年的迁址，确实是一个核心转折点。时代美术馆成立于2008年汶川地震期间，最初位于华熙国际大厦顶层，地处北京最核心的CBD商圈，我们创新打造北京最高的“空中美术馆”，核心是为中国最活跃的当代艺术家以及本土的年轻艺术家提供展示平台，那段时间也是时代美术馆积淀学术根基、筑牢专业底色的重要阶段。
2016年美术馆迁入华熙LIVE后，我们获得了更广阔的实践空间，首次实现了艺术与生活的深度融合，在这里，我们离年轻人更近，能更直接、更敏锐地洞察他们的真实需求。建筑空间的扩大，让我们打破了传统美术馆“白盒子”的限制，得以展示更多大型装置、雕塑、新媒体等不同形式的艺术作品，探索从静态展厅到跨界多媒体展示、从艺术本位到融入大众日常的更多可能。展览形式不断突破，艺术与设计、科技、潮流文化持续碰撞，也开创了我们在跨界艺术探索上的先河。
从早期的专业深耕到如今的跨界探索，我们的内在脉络始终一致——做一家让艺术有温度、有担当，能与时代同频、和年轻人共情的美术馆。我们当下和未来的定位，是为年轻人和中国本土年轻艺术家打造的，一个“关注时代人文动向，推动时代文化创新”的公共文化空间。我们现在的目标很清晰：让艺术真正融入大众，与日常生活直接相遇。
无论过去还是现在，在运营理念上有两点我们从未放弃：一是时代性，紧扣当下社会情绪与人文议题；二是创新性，以当代视角激活传统，推动跨领域、跨门类的艺术对话，将艺术与科技、艺术与设计、艺术与潮流的策展理念相结合，同时推动文化公教活动，融合当代艺术与舞蹈、戏剧、文学、音乐等现场表演，让美术馆成为一个“可以发生任何艺术碰撞的创新场域”。
艺术中国：座靠华熙LIVE·五棵松商圈，工作日日均客流15万+，周末日均客流20万+的人流量，对于美术馆的运营有哪些机遇和挑战？在观众引流上，美术馆有哪些具体的策略？
刘威威：背靠华熙LIVE这个“超级流量场”，机遇在于，首先，它极大地提升了艺术家和艺术作品的关注度与曝光度。目前商圈工作日15万+、周末20万+的日均客流，都是可转化的潜在观众，这彻底打破了艺术与大众之间的物理壁垒，把艺术从“象牙塔”拉进了日常烟火气中。
其次，场域与艺术展览之间形成了奇妙的双向赋能：展览能够启迪并共情观众，观众的真实感受也在反向塑造并检验着策展的质量。这种双向互动，成为我们不断丰富展览形式、持续创新的源动力。当下的年轻观众对艺术内容有着更高、更具创新性的要求，这都是直接的信息反馈，帮助我们更精准地把握策展方向，开发真正与观众需求相契合、能够真正与观众同频共振的展览。正因如此，越来越多年轻人不再把走进美术馆看作一件有距离感的事情。让艺术自然而然地撞进年轻人的日常，也让很多人完成了人生第一次美术馆初体验。
北京时代美术馆打造多个爆款展览
核心挑战在于，如何将瞬时流量转化为长期留量：这既需要打破大众对“美术馆高冷疏离”的固有印象，也要守住艺术创作的专业思考，在专业表达与大众接受度之间找到平衡，让展览内容真正被年轻人喜爱。
在引流方面，我们始终围绕大众需求落地，核心有四点：
一是深耕内容本身。美术馆秉持“让艺术融入大众生活”的理念，追求“富有生命力、感染力、鲜活的艺术作品”。无论是自策展还是严选引入的优质展览，都以沉浸式体验为核心，让观众能互动、能共情；
二是打破运营常规，打造“深夜美术馆”。我们打破传统美术馆运营时间的限制，全年365天无休，每日营业至晚间22点，是全国开放时间最长、营业时间最晚的美术馆之一。这一模式适配都市上班族的休闲作息，为他们提供了下班后观展的可能；
三是联动商圈做场景融合，落地“买得起艺术周”、图书市集等多元活动，把逛商圈的人流自然转化为看展的观众，让艺术成为商圈里的治愈风景；
四是打造核心IP矩阵，形成品牌影响力。我们的“云中系列”是北京时代美术馆核心自策展 IP，自2011年至今已坚持15年，每年推出一系列主题展览与公教体验活动，践行“挖掘、传承、推广”民族非物质文化的核心理念，将本土文化与当代艺术视角深度融合。
其他重要展览IP，如我们曾承办五届ABC书展，保持与国际同行的紧密对话，引入全球前沿的创作与出版物；还举办过三届《亚洲数字艺术展》，作为专注于数字艺术领域的国际性展览，持续探索科技与艺术的紧密结合。
北京时代美术馆“云中”系列自策展
艺术中国：北京时代美术馆与周边商业生态和总部华熙集团的产业布局是一种怎样的关系？
刘威威：从整个产业布局的逻辑来说，华熙LIVE以文化场景著称，秉持“活力、现场、体验”的核心理念，北京时代美术馆正是这一文化场景中的关键一环。我们既承担着企业社会责任，也是华熙LIVE多元业态中不可或缺的核心文化组成部分。
从双向赋能的价值来看，华熙LIVE依托顶级赛演资源，已经构建了极具活力的城市文体消费生态，美术馆的入驻，为其注入了更细腻、更丰富的当代艺术文化内涵，让艺术深度融入大众的休闲生活；反过来，华熙LIVE里丰富的餐饮、娱乐、文体业态，又完美承接了观众看展后的延伸需求，形成“观展+消费+社交”的完整闭环。
我们始终拒绝做商圈里“孤立的美术馆”，而是依托商圈的客流与资源，将艺术渗透到商业场景的每一处，借商业的烟火气拉近艺术与大众的距离，用艺术的温度提升商圈的精神质感，共同打造有互动、有活力的城市文化聚场。
艺术中国：除了在专业性与大众化之间架构桥梁、取得平衡之外，近两年时代美术馆也在探索另一条重体验、强共情的疗愈美学策展方式，这背后基于美术馆对市场和公众怎样的观察和考量？
刘威威：这个问题，也是我们十几年探索的核心命题，平衡二者的关键在于：专业性不设居高临下的圈层壁垒，大众化不做降维讨好的流量妥协，二者从来不是对立的，而是相辅相成的一体两面。
我们的运营逻辑一直非常清晰，核心就是以公众需求为导向。专业是美术馆的立身根基，大众是艺术的最终归宿，我们既不会为了固守专业门槛把观众挡在门外，也不会为了追求流量丢失艺术本心。
北京时代美术馆《躺进色彩——线条，身体与梦的旅程》马蒂斯版画展
近几年我们探索的重体验、强共情的“疗愈美学”策展方式，本质上是为了重构和丰富对“艺术专业性”的当代定义。传统语境里的艺术专业性，更多指向技法、流派、收藏价值，是小圈层内的学术探讨；但在我们看来，新时代的艺术专业性，还应包含另一种能力：打破艺术围墙，创作和展示大众能读懂、能共情的作品，用有温度的艺术回应当下的社会情绪与精神困境。
专注于沉浸式、共情式的内容创作，既守住学术与创作的专业底线，又让普通观众能看懂、能共鸣，这既是我们追求的艺术专业性，也是艺术最本真的价值。
艺术中国：团队如何精准捕捉当下的社会情绪和公众的精神需求，并将其转化为可感知的展览项目和语言？
刘威威：没有什么捷径，核心在于做好艺术内容与公众连接的平台，让艺术内容的生长有土壤，也让观众的活水有滋养。
艺术展览的本质，是大众文化消费的重要产品，创作的是精神食粮。关键是要真正了解并尊重当下公众的精神需求：在快节奏的都市生活里，大家缺的从来不是晦涩而孤立的形式内容，而是一个能安放情绪、舒缓身心的精神出口。
我们对社会情绪的捕捉，也不是凭空猜测，而是真正沉到大众中去，看见年轻人普遍的所思所感，再把抽象的社会情绪，转化为可触摸、可体验的展览语言。比如正在展出的《躺进色彩——线条、身体与梦的旅程》马蒂斯版画展，就是最直接的落地。
当下年轻人普遍面临迷茫与压力的双重困境，秉承希望年轻人可以“卸下世界的沉重、被艺术温柔接住”的初心，便紧扣马蒂斯“艺术像一个舒适的安乐椅”的创作内核，不做宏大叙事、不设理解门槛，从线条的静谧到色彩的松弛，做了层层递进的内容设计，让观众走进来就能卸下身心的沉重，在艺术中被看见，被理解，被治愈。
艺术中国：从运营的层面来看，像《躺进色彩——线条，身体与梦的旅程》马蒂斯版画展这类主打“疗愈”“以情感链接公众”的策展模式，对于培养观众的艺术消费习惯、提升用户黏性、建立美术馆与城市和公众的深度情感连接，有着怎样的意义？又将如何反哺美术馆的可持续经营？
刘威威：这种“以情感链接公众”的策展模式，最核心的长远意义在于：打破艺术消费的固有壁垒，让看展从偶尔的“网红打卡”变成日常的“生活习惯”。
首先，它帮我们建立了与公众的深度情感羁绊。我们不只是做一场展览，而是通过配套的公教互动——比如本次马蒂斯展的陌生人情绪卡片、剪纸工坊等活动，让观众从展览的“旁观者”变成内容的“参与者”，这不仅提升了用户的长期黏性，更让美术馆真正成为大众认可的、可信赖的精神地标。
北京时代美术馆《躺进色彩——线条，身体与梦的旅程》马蒂斯版画展
其次，它培养了健康的艺术消费习惯。依托商圈的区位优势，我们形成了“观展+消费+社交”的完整闭环，再通过展览限定文创、集章互动，把展厅里的治愈体验延续到观众的日常生活里，让艺术消费从单一的门票支出，变成融入日常的生活方式。
更重要的是，这种情感链接带来的口碑效应，会转化为长期稳定的客流，反哺展览策划与运营品质升级，最终形成“情感引流—口碑沉淀—营收反哺—品质提升”的良性循环，这正是我们可持续经营的核心密码。
艺术中国：近年来，北京时代美术馆多个自策展IP如“云中”系列，还有其他与天文、科技、设计、潮流艺术相关的展览项目均收获了高人气，在传播层面亦不断破圈，所谓的“自策展”项目是否有遵循的内容逻辑和主张？
刘威威：我们的自策展项目，还是以公众需求为导向，不断打破艺术边界。
在人文公益上，“云中”系列展览是我们已坚持15年的核心自策展IP，也会一直做下去。它旨在挖掘、传承、推广中国本土非物质文化遗产。其中最难也最有价值的地方，就是用新的视角、新的创意、新的展览语言，让年轻人爱上传统文化艺术，重拾文化自信。
在融合创新上，我们从不局限于传统艺术形态，始终探索跨领域的多元表达。“云中”系列本身就是艺术融合创新的核心载体：我们始终以行走采风的方式深入不同地域的生活现场，用当代艺术的多元形式记录时代人文、展现文化生命力。同时，我们持续探索艺术与科技的融合——比如《能量宇宙》中用全息投影打造“一眼万年”的视听盛宴，《觉醒·绽放》中借助互动新媒体、生物技术呈现艺术与科技的碰撞。其中，我们以1:0.7的比例复原莫高窟285窟，采用木质龙骨结构与传统泥底地仗，用矿物颜料逐笔手工绘制，再现原生态壁画的细腻肌理与色彩质感。这些尝试，都让艺术拥有了更先锋的表达载体。
北京时代美术馆“云中”系列自策展
另外还有“买得起艺术周”，是我们另一个核心自策展实践，核心宗旨都是为了打破艺术圈层的壁垒，让艺术不再高高在上，真正融入大众生活。
华熙LIVE·买得起艺术周
艺术中国：在跨界合作的内容项目方面，美术馆会做哪些考量？
刘威威：不管是自策展还是跨界合作，我们的核心逻辑一脉相承。所有跨界合作始终围绕两个不可破的标尺：一是必须贴近年轻人审美与真实需求，二是必须精准击中大众情绪痛点和情感痒点，让跨界真正成为连接艺术与生活的纽带。
因此无论和潮流IP、科技企业还是文化机构合作，我们都会先深挖双方的内核契合点，最终实现“艺术融入潮流、科技赋能艺术”，让内容既守住艺术专业性，又有大众喜闻乐见的趣味性。在我们看来，跨界是给艺术安上翅膀，让扎根生活的内容更鲜活，让先锋的艺术表达更有温度。比如《星河角落：步天歌》这个展览，就是艺术与天文科学跨界创新的成功案例，通过艺术的想象力，让天文学的宏大叙事变得可感、可触摸，实现了艺术与科技的完美结合。
艺术中国：据您多年的观察和展览效果的反馈，爆款展览ip有哪些共性？如何与大众真正有效地链接？
刘威威：从多年的实践来看，真正能打动大众的爆款展览IP，共性都是不搞晦涩的圈层表达，而是精准捕捉大众的普遍情绪需求——要么治愈焦虑、要么提供松弛感、要么满足社交表达欲，《Hello Kitty Cosmos 光影特展》《米菲，全世界的好朋友》都是典型案例。
而与大众实现有效链接的关键，从来不是单向输出，而是真正地换位思考，读懂年轻人的社交需求，找对大众的情绪共鸣点，用沉浸式的内容体验、零门槛的参与形式，让大众从“被动看展”变成“主动参与”，真正让艺术走进日常。
北京时代美术馆打造多个爆款展览
艺术中国：2025年，北京时代美术馆也举办过“治愈系艺术”相关展览及研讨活动，在您看来，美术馆作为社会“公共疗愈场”有何必要，如何实现？
刘威威：在快节奏的都市生活里，焦虑与疏离已经成为大众普遍面临的精神困境，美术馆作为城市“公共疗愈场”，既是满足公众刚性精神需求的必然选择，也是我们作为公共文化机构必须承担的社会责任。
美术馆天然具备成为公共疗愈场的属性，它不应只是艺术作品的陈列馆，更该是年轻人的精神栖息地，承担着抚慰人心、联结社会情绪的公共使命。
我们一直在用实际行动践行这份责任：2025年我们引入了《如花山海》疗愈主题个展，借助艺术家的自我疗愈表达，让观众在互动中与自我对话、获得情绪慰藉；还曾举办多场艺术疗愈主题的公教活动；今年的马蒂斯展，更是把“艺术是心灵的安乐椅”这一疗愈内核，贯穿到了展览的每一处细节。
而要真正实现美术馆的公共疗愈价值，不能靠空洞的理念说教，必须以展览为核心，联动公教活动、跨界学术研讨，打造可触摸、可参与的疗愈场域，让观众在艺术中释放情绪、获得力量，以艺术连接个体与时代，真正践行“艺术疗愈人心” 的社会使命。
艺术中国：从静态展示向动态、开放、跨界的“文化发生场”的转型尝试，是今天绝大多数美术馆发展的一个显著而普遍的趋势，您如何看待美术馆在当今时代与城市文化生活空间中的价值与作用？
刘威威：在我看来，这是时代赋予美术馆的新课题，更是城市文化生活的刚需。美术馆在城市中的价值，从来不是做一座孤立的艺术地标，而是串联起大众情感、激活城市活力、丰富文化生态的核心纽带。
这一核心价值体现在两个层面：一是城市的精神地标，为城市注入不可替代的文化内核，给市民带来文化归属感与身份认同；二是公共文化的连接器，打破艺术、商业、社区的边界，让文化融入城市肌理，推动公共文化服务体系的高质量建设。
我们也始终在践行这份价值：既以科技跨界打破艺术的边界，让艺术变得可触可感；也深耕艺术疗愈领域，把展览从个体的观展体验，升级为群体联结的公共文化行动。
同时，为城市文化生态注入新鲜活力，也是美术馆的重要责任。我们将继续坚持挖掘和扶持中国本土年轻艺术家，通过“种子计划”“买得起艺术周”等项目，为他们搭建展示与成长的平台，打破固化的艺术圈层壁垒，为行业注入新颖的艺术表达与鲜活的创作气息。这些年轻艺术家不受传统框架束缚，擅长结合当下的生活体验与时代情绪创作，天然贴近年轻人的审美与语境，他们的成长，也为艺术的长远发展积蓄了力量，让艺术始终保持生机与温度。
艺术中国：对AI、数字、科技的应用和展示也是北京时代美术馆的一个显著特点，针对这条线索，未来还会进行哪些层面的拓展和尝试？
刘威威：科技是放大艺术价值的工具，而非艺术本身。未来我们对AI、数字、科技的应用，会朝着深度融合、多元拓展的方向持续深耕，始终围绕“关注时代人文动向，推动时代文化创新”的宗旨落地。
具体来说，未来我们将在三个方向持续发力：
第一，继续拓宽艺术的表达形式与应用领域。我们不会局限于现有的光影交互、AI数字装置，还将持续探索更具创新性的科技媒介，让科技真正成为艺术传递温度、表达情感的载体，而非单纯吸引眼球的噱头。
第二，继续发掘兼具创新力与表现力的年轻艺术家。我们鼓励他们将AI、前沿数字技术与自身创作深度结合，打破传统艺术的创作边界，注入新鲜的艺术表达，以实际行动推动时代文化创新。
第三，紧扣“艺术疗愈、连接公众”的核心特色。我们将用科技赋能沉浸式内容体验，让不同年龄层的观众都能在科技与艺术的碰撞中获得情感共鸣；同时践行“科技注入人文思考”的理念，让艺术参与时代发展、关切人类未来——既守住艺术本真，也让科技为美术馆的复合型体验、城市文化共生，注入更持久的创新活力。
艺术中国：今年有哪些重点展览和活动值得向公众推荐？
刘威威：我们今年的展览和活动会紧扣“疗愈人心、连接公众”的立意展开，为公众带去有温度、有共鸣的艺术内容。
刚开幕的重磅自策展《躺进色彩——线条、身体与梦的旅程》马蒂斯版画展，我们集结了巴黎百年工坊100幅馆藏级版画，打造了6大美学打卡点与5大创意互动区，把马蒂斯的艺术理念酿成一场慢节奏的“春日艺术下午茶”，让大家能真正躺进色彩里，卸下身心沉重，完成一场治愈心灵的艺术白日梦。
与马蒂斯展同期，我们将推出新锐艺术家newmasus全新主题展《不止彼此》，以治愈笔触诠释爱与世界的多元联结。
下半年，我们还会陆续推出多场重磅展览：第16个“云中”系列展览，将在年底与大家见面，秉持“从大地汲取灵感，向大众传递温度”的创作理念，联动新锐与资深艺术家，将科技与本土文化深度结合，打造兼具学术深度与治愈温度、兼顾国际视野与本土力量的展览，推动地域文化与世界艺术的对话。
除此之外，全年我们还将配套推出艺术疗愈工作坊、主题对谈、公众艺术共创等全维度公教活动，持续把有温度的艺术带给更多普通大众。
时代美术馆执行馆长刘威威
受访人介绍
刘威威，现任时代美术馆（北京馆、成都馆、重庆馆）执行馆长，拥有十余年时尚媒体、品牌战略管理与艺术文化领域的深厚专业积淀。她始终致力于以多元开放的行业视野，搭建当代艺术与大众对话的桥梁；以行业观察者与生态推动者的双重身份，持续深耕艺术与科技、艺术与设计、艺术与潮流的跨界融合，打造兼具学术厚度与大众影响力的美术馆平台，落地多个深受大众喜爱的爆款展览。（文字、采访/台馨遥，图片由北京时代美术馆提供）
